L'artista è la mano che toccando questo o quel tasto (la forma) fa vibrare l'anima.

Kandinsky

Posando lo sguardo sulle opere di questo nuovo ciclo di Gianfranco Gentile, si viene catapultati in una atmosfera altra, in un luogo senza spazio né tempo in cui si respira a pieni polmoni il fascino del mito.

Sembra quasi di trovare un rifugio dalla confusione, dal rumore e dal movimento e chiudendosi una porta alle spalle poter godere della pulizia, del silenzio, della calma e della rasserenazione.

L'etimologia del termine “mito” (dal greco mythos, racconto) rimanda al significato di una narrazione che in questo caso però non avverte più come necessario il racconto per intero,  ma ne sottolinea, attraverso la pittura,  soltanto un istante che lega generazioni e popoli nel tempo e nello spazio.

Burke nel 1971 affermava che il processo del mito poteva offrire non solo un paradigma provvisorio ma un'approssimazione alla totalità. E' in grado cioè di avvicinarsi ad un qualcosa di assoluto e inconfutabile per tutti. Le idee di grazia, proporzione e armonia coinvolgono lo spettatore senza la necessità di una spiegazione, senza sapere chi è il protagonista del quadro e quali eroiche gesta egli abbia compiuto. La serenità della percezione è immediata e nella storia dell'uomo e dell'arte è un'esigenza ricorrente.

Nel XVIII secolo dopo gli arabeschi barocchi e le orge stilistiche rococò si sviluppa non a caso il neoclassicismo: il riflesso di un bisogno di recupero delle tradizioni, dell'arte antica, della pulizia, della regola ariosa e armonica della figura quella che per Winckelmann era la vera arte, greca, per cui "l'unica via per divenire grandi e, se possibile, inimitabili, è l'imitazione degli antichi".

Nel ciclo di Gianfranco Gentile più che imitazione degli antichi c'è un'affascinante evocazione.

La struttura è completamente diversa, il suo lavoro è ben inserito nelle sperimentazioni contemporanee, l'arte greca è citata ma non riproposta. L'artista è stato capace di fondere l'arte antica classica con le ricerche artistiche attuali.

La tecnica utilizzata è molto particolare ed è unica nel suo genere. Gentile utilizza cartoni con anima ondulata, disegna a pastello le figure che intende rappresentare sulla superficie liscia e successivamente, attraverso un paziente e  minuzioso procedimento, fa emergere le onde del cartone nello spazio esterno alla figura creando così un curioso effetto tridimensionale.

La tecnica è rigorosa, di precisione e molto raffinata; perfettamente in linea con la rappresentazione greca, sempre alla ricerca della perfetta armonia ma il supporto scelto dall'artista crea un fascino particolare, del tutto nuovo.

Il cartone, materiale povero per eccellenza, diventa la base per realizzare opere molto eleganti e ricercate creando un'ambivalenza di significati artisticamente interessante.

Nella storia del mito Levi Strauss individuava una duplice componente spiegando come il successo della comprensione delle storie eroiche fosse dovuto alla presenza distinta di buono e cattivo, di bene e male: allo stesso modo il povero e il ricco, il semplice e il raffinato vengono  presentati nelle opere di Gentile in un connubio sereno e perfetto che rimanda anche ai giochi di luci e ombre, di pieni e vuoti, elementi fondamentali nella scultura greca.

La grazia e la bellezza di Venere che accarezza una mela vengono se possibile risaltate dal colore sincero del cartone che sembra incorniciarle di naturale semplicità, Antinoo, simbolo della pederastia greca viene rappresentato solo in viso, pulito, lucente e bellissimo, le due grazie sembrano aver scordato la loro origine scultorea e prendono vita sulla superficie presentandosi nella loro ingenuità e inconsapevolezza. E' incredibile come il cartone e la mano dell'artista riescano a rendere la sensualità di Afrodite accovacciata, le forme morbide dei fianchi e la luce che sfiora il ventre sono disegnate in modo realistico, sembra una foto rubata alla dea. La parte di cartone scoperta appare come una superficie fluttuante, il sipario ideale per i capelli vibranti di Afrodite.

La fanciulla che suona sembra produrre silenzio dal suo flauto magico, Ermes è lì, sicuro e possente, definito in ogni singolo ricciolo, Diadumeno è poesia ed Efebo rivela la sensualità eterna, e l'armonia perfetta delle forme.

L'artista è stato capace di scegliere delle “inquadrature” molto particolari per i protagonisti scultorei: la visione ricorda quella di un obiettivo fotografico, che sceglie di risaltare alcune parti piuttosto di altre e che talvolta applica con talento uno zoom per tradurre in arte il risalto di una forma.

L'arte è una delle principali espressioni tipicamente umane: l'uomo è composto da corpo e spirito e così anche l'arte possiede una forza materiale in quanto opera visibile e un senso più intimo relativo alle percezioni che ogni fruitore assorbe e riconosce.

E' meraviglioso come il legame tra visibile e spirituale che si nota nel ciclo di opere di Gianfranco Gentile sia così esplicito. In un epoca in cui lo smarrimento delle certezze, la perplessità nei confronti del futuro, la difficoltà a percepire sensazioni e sentimenti forti sono alla base della critica artistica, i lavori di Gentile permettono di rilassarsi, di assaporare un'atmosfera creativa senza dietrologie ricercate. L'arte diventa una sorta di compensazione dalle fatiche che attraverso la parte materiale dialoga direttamente con lo spirituale.

I colori sono neutri, il cartone è presentato senza nessun inganno, i disegni non nascondono significati reconditi, sono il recupero di una bellezza riconosciuta come eterna che con la sua semplice verità non perde ma anzi valorizza la raffinatezza dell'insieme.

L'osservazione di questo tipo di opere presuppone un processo conoscitivo in evoluzione.

Ad un primo approccio sembra di osservare delle vere e proprio sculture, fatto esaltato anche dalle dimensioni piuttosto imponenti dei lavori. Avvicinandosi si mette a fuoco il disegno, si riesce a valorizzarne la plasticità, le linee pulite e la bravura della mano dell'artista ma solo in un terzo momento si giunge alla scoperta di  un supporto così originale come il cartone, e nasce una naturale curiosità sulla tecnica ideata dell'artista. Allontanandosi e riosservando le opere queste assumono un significato del tutto diverso, completo e onnisciente arricchito dalla consapevolezza di un'opera contemporanea, che conosce le diverse fasi dell'arte nella storia e che ne rielabora una visione nuova.

Traspare sicuramente un senso di pudore arricchito dall'impressione di un ordine vitale che si fa atmosfera eroica di altri tempi. La scelta di arredare un locale con questo tipo di opere è sicuramente appropriata: esprimono perfettamente l'idea del rifugio e riescono ad interpretare un luogo lontano dal caos reale nel quale tutti possono estraniarsi e godere di un'atmosfera privata e preziosa.

Spesso l'arte contemporanea è associata all'incomprensibile e all'ingannevole e il disegnare è spesso correlato ad un tipo di arte passata e superata. Gianfranco Gentile ha saputo rispondere in modo piuttosto determinato: il rigorismo tecnico, il disegno, l'armonia delle proporzioni, lo studio della luce e l'attenzione per il dettaglio fanno di lui un artista indubbiamente capace e talentuoso e al contempo la sua arte capace di presentarsi in una nuova ottica, su un supporto originale, è sicuramente un riflesso della contemporaneità.

L'artista non si è limitato però a mostrare la sua abilità stilistica ma ha saputo coniugarla con idee nuove e attuali attraverso un materiale particolare capace di esaltare a sorpresa i suoi delicati disegni. L'arte procede qui secondo un processo di intuizioni immediate.

Il termine “mito” oggi è abusato e limitato di molto rispetto alla sua concezione storica originaria: si definiscono mitiche molte situazioni superficiali e si tende a “mitizzare” banalità o personaggi televisivi. Gentile rende onore invece all'etimologia antica del termine evocando storie e favole di atmosfere eroiche, si ristabilisce il senso di vigore classico, i personaggi sono presenze serene che accompagnano in un mondo magico, aggraziato e fluido molto lontano.

IL FASCINO DISCRETO DELLA CIVILTA’ DELLE MACCHINE

Vi può capitare d’incontrare Gianfranco Gentile, artista a 360 gradi - musicista, pittore, architetto, poeta, grafico - in veste di cercatore di tesori. Con un ginocchio appoggiato sugli sterpi, chino a fotografare reperti che per lui hanno un valore unico: vecchie macchine agricole abbandonate,  trattori e trebbiatrici che coi loro rugginosi musi sembrano sorridere al novello Indiana Jones, motori che han smesso di funzionare, carcasse d’auto scrostate e polverose, accatastate l’una sull’altra dagli sfasciacarrozze, ma anche veri e propri gioielli d’automobili del tempo che fu, come la mitica Rosengart, la cui allure da vecchia e gloriosa signora della corsa è fuori discussione. Metalli come il ferro o il rame e le loro fascinose patine d’ossidazione sono, agli occhi di quest’artista innamorato dell’archeologia industriale, materiali preziosi, ormai rari, come animali in via d’estinzione che gli sia dato d’incontrare – per pura fortuna – in un safari fotografico, dopo averli a lungo cercati e inseguiti. Vecchi marchingegni, rubinetti industriali, condutture e ruote dentate, congegni obsoleti e velati dalla patina del tempo, fabbriche dismesse, cartiere abbandonate assumono un valore memoriale pari a quello di un frontone greco, di una statua romana, di un rosone intagliato, di un pinnacolo o di altro elaborato fastigio d’una magnifica cattedrale gotica.

La meraviglia sta nello sguardo di chi osserva, nel filtro della memoria con cui ci si accosta a pezzi che racchiudono una parte della nostra storia, tradizione e cultura materiale, di un passato più o meno remoto o vicino a noi, iscritto nella nostra stessa identità.

Le opere di Gentile evocano un intero universo perduto. L’abbandono di miriadi di “pezzi” appartenenti al mondo della fabbrica o del lavoro dei campi, la loro obsolescenza, il mancato utilizzo odierno non riescono – ai suoi occhi e, per suo tramite, anche ai nostri - ad appannarne l’attrattiva, anzi la accrescono. Neppure l’oblio del nome di questi attrezzi e componenti meccanici e il mancato riconoscimento della loro funzione (un tempo invece nota a tutti gli appartenenti al mondo del lavoro), neanche l’aver cancellato dal linguaggio corrente i termini lessicali che li designano e l’aver condannato queste apparecchiature al silenzio e all’inattività bastano a distruggere il fascino discreto della civiltà delle macchine. Né a tacitare l’eco del rumore delle prime fabbriche, in cui la tecnica – guardata allora con un misto di sospetto e ammirazione – non aveva ancora mostrato in tutta la sua estensione il volto disumano di una completa signoria e di un dominio insopprimibile sul “fattore umano”, il suo essere non un mezzo ma un fine in se stessa, mirata al proprio incessante autopotenziamento.

Guardando le opere di Gianfranco Gentile viene alla mente la fase dell’industrializzazione tardo-ottocentesca  e primo-novecentesca, la “civiltà delle macchine” della metà del XX secolo, e si è presi da un’attrazione per qualcosa che ha il sapore di un’operazione nostalgia, legata ad una perdita senza possibilità di un “a rebour”. Agli antipodi rispetto all'esaltazione modernista della potenza della macchina, l’artista si concentra sulla valenza estetica degli apparati tecnici del passato, lasciando emergere la sensualità latente dell’ingranaggio (si pensi all’opera intitolata Labbra cremisi, denti d’acciaio), la bellezza intrinseca delle macchine, e – attraverso l’irresistibile attrattiva del dettaglio messo a fuoco da un’ottica lenticolare – riporta alla luce il potere seduttivo esercitato da una meccanizzazione ancora controllata dall’uomo in un’epoca non così remota, eppure irrimediabilmente trascorsa, in cui era ancora la mano dell’operaio a mettere in moto le macchine, manovrare gli strumenti, abbassare leve, girare rubinetti, avvitare bulloni, ruotare manovelle, premere interruttori, verificare i materiali.

Ciò che attrae nelle opere di Gianfranco Gentile è anche la loro peculiarità tecnica, la sorpresa generata dall’utilizzo di materiali poveri e leggeri per ricavarne effetti di grande realismo. Il metodo di lavoro è originale e richiede virtù d’ascendenza certosina: le opere sono infatti disegnate su comune cartone ondulato da imballo, dipinte a mano sulla superficie liscia con pastelli e tecniche miste (ossidi, vernici, cemento, catrame, oli riportati a "secco"), poi intagliate con il cutter nelle parti non dipinte, in modo che affiori lo strato di onduline sottostante e che il contorno del congegno raffigurato emerga con straordinaria potenza ed effetto di tridimensionalità dallo sfondo. Si attua così una sorta di camouflage o metamorfosi del mezzo: il fragile e deperibile cartone assume le sembianze del ferro, ne simula le caratteristiche di corrosione e ruggine, a fronte dell’usura del tempo e delle ingiurie delle intemperie; il colore a pastello ripropone il cromatismo sommesso e pacato delle vernici scrostate e sbiadite; la rigatura verticale del supporto, con la sua ondulata profondità, allude alla tridimensionalità concreta dell’oggetto raffigurato.

Si tratta di un’operazione sottile di segno analitico che non va a sostituirsi al compito dell’archeologia industriale, che non sottende il recupero dei reperti materiali (al più ne auspica la salvaguardia, demandata a chi la può attuare), ma ne ripropone le immagini come icone della modernità, al pari delle Marilyn e delle Campbell Soup di Warhol o delle lucidatrici di Jeff Koons, ma di una modernità di ieri, pre-contemporanea. Come su un tavolo anatomico, la macchina o l’architettura dismessa è dissezionata dall’occhio selettivo dell’artista in un inventario minuzioso di elementi – ombre e luci comprese - ciascuno dei quali ha una bellezza intrinseca e nel contempo partecipa al fascino dell’insieme. Vengono così proiettati in primo piano, accanto ad intere strutture industriali – come capannoni e fabbricati industriali, cartiere e stazioni frigorifere realmente esistite – dentelli, viti, bulloni, tubi, ghiere, bielle, giunti: particolari talvolta minuscoli ingigantiti dallo zoom del ricordo e di uno sguardo curioso e attento, piuttosto che da quello delle fotografie digitali che l’autore scatta nella fase di ricerca sul territorio, che precede la realizzazione vera e propria dell’opera.

Più che una poetica del frammento, a guidare l’artista è però la fascinazione dell’insieme, perché – come avevano già avvertito i filosofi, Gunther Anders al pari di Martin Heidegger – “non esistono apparecchi singoli. La totalità è il vero apparecchio. Ogni apparecchio è, dal canto suo, solo una parte di apparecchio, solo una vite, un pezzo del sistema degli apparecchi (…). Il sistema di apparecchi è il nostro “mondo”. Anche se decontestualizzato, enfatizzato, il dettaglio rinvia ad un mondo, ad una tecnica percepita come “ambiente” in cui l’uomo si muove, ad un “macroapparecchio” che è il sistema tecnologico che nel suo insieme individua e identifica  un’epoca e condiziona e determina uno stile di vita.

La forza suggestiva delle opere di Gentile evoca dunque un intero mondo della cui bellezza abbiamo forse usufruito inconsapevolmente e che solo nell’arte oggi ci è dato di ritrovare. Ma la scelta dei soggetti raffigurati induce alla riflessione critica sull’ieri e sull’oggi, in vista di un futuro praticabile che non può prescindere dal rapporto tra l’uomo e la tecnica.

                                                                                    Elisabetta Bovo

Giornalista, storica e critica d’arte, Docente di Iconografia, Iconologia e Filosofia dell’immagine

Presentazione Critica (54ª Biennale di Venezia-Padiglione Italia):

Osservare a distanza le opere di Gianfranco Gentile permette la trazione verso di esse. Lo sguardo si adegua a prospettive apparentemente dimentiche, in luoghi abbandonati, in quell’indefinibile avviluppo di forme metalliche, contorte costrizioni, meccanismi, ingranaggi, forze dentate, che  attanagliano in una morsa curiosa, solitudini colte nell’abbandono del tempo. Indomita forza attrattiva, avvinghia lo sguardo  che si accosta al dettaglio. La macchina  rapisce, fa cogliere l’attenzione e provoca una sensazione di  coinvolgimento quasi fantascientifica, irreale condizione che immerge in  spazi  scenografici, lontani dal presente, rivolti a silenti passaggi del tempo. Eppur l’invito si coglie  nei dettagli della materia realizzata e connessa tra segno, soggetto e supporto creante  una valente tensione in un racconto vissuto, tra mutamenti, speranze fatiche delusioni di un mondo trasposto tra sviluppo e tensione, tra futuro e incomprensioni negli eventi passati del sociale. Tuttavia  il silenzio  come poesia soffia aneliti pensieri. Come vele per i naviganti, le fabbriche per  gli operai, il meccanismo per il moto perpetuo del fare e del ricercare consenso nel vero. Si tratta di chiaro messaggio sotteso che  coglie nel piacere dell’arte di Gentile. Consapevole di un vissuto  che vuol essere anche prospero futuro.

Alessandra Lucia Coruzzi